Contenuto
- 01. Concept art = concetto + arte
- 02. Fai ricerche dinamiche
- 03. Pensa dentro la scatola
- 04. Progettare liberamente
- 05. Capire la composizione
- 06. Usa la prospettiva
- 07. Gioca con la percezione dello spettatore
- 08. Conosci le regole del valore
Il compito principale di un artista dell'ambiente di sviluppo visivo che lavora nell'animazione è quello di concettualizzare, progettare ed eseguire un mondo credibile in cui i personaggi possano vivere. Ma il successo di questi concetti di ambiente non si basa esclusivamente sul livello di abilità di redazione dell'artista: è l'intero pacchetto che fa funzionare efficacemente il prodotto finale.
Lo sviluppo visivo è semplicemente l'evoluzione visiva da un'idea al prodotto finale. Quindi è fondamentale che la composizione strutturale delle opere in fase di sviluppo avvenga in questo ordine: concetto, design, tecnica. Pensare che la tecnica sia la chiave del successo dell'opera d'arte manca totalmente il segno.
Ecco i miei suggerimenti chiave che indicano un processo di successo nella creazione di concetti e composizioni forti per l'animazione.
01. Concept art = concetto + arte
La concept art non riguarda solo l'epopea o la sua bellissima esecuzione. È un'opera d'arte che nasce da un processo di progettazione, ben radicata in un'idea che supporta la storia. La priorità del concetto può essere identificata così: bisogni e desideri. Ciò di cui la storia ha bisogno deve essere prima concettualizzato. L'artista quindi fornisce il proprio design che vuole focalizzare e supportare la storia.
Quindi, nell'immagine sopra, la necessità di questa immagine è progettare una fata asiatica e il suo ambiente magico. Un secondo carattere è un desiderio di design, per esemplificare la scala e la dimensione. La scelta progettuale del personaggio secondario crea un'affinità relazionale e una familiarità tra i due.
02. Fai ricerche dinamiche
La ricerca genera autenticità nell'evoluzione del design, dal concept al prodotto finale. Simile al vecchio adagio sul conoscere le regole prima di poterle infrangere, devo imparare cosa è reale prima di poter progettare, o riprogettare, un oggetto o un ambiente.
La ricerca dà una visione della funzionalità. Ciò che lo rende dinamico è quando inizio a disegnare e creare miniature durante la ricerca. Questo mi impedisce di impantanarmi nel materiale di riferimento. Mi fido del mio istinto artistico quando raggiungo un obiettivo di design con materiali di riferimento, smetto di cercare di più e inizio a disegnare. Il mio approccio al design è migliorato in questo modo.
03. Pensa dentro la scatola
Come artisti dello sviluppo visivo e concept designer, ci viene sempre detto di pensare fuori dagli schemi. Ma credo che questo sia possibile solo se il designer sa cosa c'è dentro la scatola. E non solo per sapere cosa c'è dentro, ma anche per capire come funzionano quegli oggetti all'interno della scatola.
Negli anni ho imparato a non uscire dagli schemi se quello che c'è dentro funziona ancora. Alla fine della giornata, è il modo in cui la storia / idea potrebbe essere raccontata in modo più efficace che influenza le tue scelte di progettazione, non se si tratta di un'idea sicura o "là fuori".
Questi rapidi schizzi mi danno due trampolini di lancio per raccontare la storia del Titanic. La prima immagine è la traduzione all'interno della scatola, con una narrazione letterale della sua attuale situazione sottomarina. In alternativa, posso optare per l'opzione fuori dagli schemi creando un'immagine giustapposta della sua presunta descrizione e della sua situazione attuale, incapsulata in una classica ambientazione di nave in bottiglia.
04. Progettare liberamente
Una disciplina fondamentale che ho imparato nel corso degli anni è disegnare con il braccio e disegnare con il polso. C'è un equilibrio dinamico di libertà e controllo nel mio polso e un equilibrio dinamico di libertà e controllo nel trovare il giusto linguaggio di progettazione quando il braccio si muove liberamente. Quando divento pigro e mi manca il braccio, l'opera d'arte tende ad essere statica e senza vita.
Queste immagini provengono da un processo demo di 90 minuti in un workshop dal vivo. La tela da 18 x 24 pollici mi ha dato una buona flessibilità del braccio. Quindi ho scattato una foto di iPhone ad alta risoluzione e ho trasferito il file in Photoshop per valore e colore.
05. Capire la composizione
Fare i conti con la composizione è vitale per la forza strutturale del design. La composizione non è solo un termine autonomo che descrive semplicemente una disposizione di forme e forme. Piuttosto, renditi conto che la composizione è prospettiva, valore, messa in scena e colore disposti armoniosamente, per raccontare la storia o l'idea in modo più efficiente.
La prospettiva è il posizionamento della fotocamera e il tipo di obiettivo utilizzato. Il valore traduce l'applicazione dell'illuminazione. La messa in scena è la disposizione di diversi elementi nella tela utilizzando la combinazione di forme, dimensioni e sovrapposizioni, creando profondità, dimensione ed equilibrio. Il colore è l'armonia delle tavolozze e delle temperature.
06. Usa la prospettiva
La prospettiva ha un forte effetto psicologico sulla percezione degli spettatori. Sopra, diversi posizionamenti della telecamera dello stesso soggetto e ambiente danno allo spettatore percezioni diverse. Il punto di vista sono gli occhi del pubblico.
07. Gioca con la percezione dello spettatore
L'estetica visiva è lo studio di come gli elementi compositivi (valore, prospettiva, messa in scena e colore) interagiscono e le reazioni del pubblico ad essi. Non è sufficiente capire la composizione e aspettarsi di essere narratori visivi efficaci. Piuttosto, è importante capire la percezione, come reagisce il pubblico alla composizione.
Un uso improprio della composizione si tradurrà in una percezione selettiva del pubblico. La percezione selettiva si traduce in un contesto selettivo.E il contesto selettivo significa che il pubblico avrà interpretazioni diverse della storia / idea. Con un uso corretto dell'estetica visiva, le scelte compositive diventano intenzionali e direzionali verso la percezione voluta.
Quando l'artista controlla la visione selettiva, il messaggio visivo diventa soggettivo. Soggettivo significa percezione controllata. La percezione controllata si traduce in un contesto controllato, e questo significa che il pubblico avrà un'interpretazione singolare dell'idea della storia.
08. Conosci le regole del valore
Il valore è la luminosità o l'oscurità di un colore. Ogni colore ha un valore corrispondente e tale luminosità o oscurità dipende dalla quantità di illuminazione applicata al colore. Le tre importanti regole di valore sono:
- Controlla i punti focali, in genere l'area più luminosa, il contrasto più elevato o quando un valore predominante racchiude un valore opposto
- Value dà l'illusione di una forma tridimensionale, quando mostra la superficie colpita dalla luce e la superficie sotto le ombre
- Il valore crea l'illusione della profondità (alterare la gamma di oscurità e luce crea distanza)
La percezione dell'umore o dell'emozione della storia raccontata sulla tela è stabilita dall'illuminazione applicata tradotta in valori. Il successo della composizione del colore dipende dalla composizione del valore.
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