Contenuto
- Ripulisci i tuoi schizzi
- 01. Rafforza i tuoi ruvidi
- 02. Differenzia gli strati con il colore
- 03. Aggiungi peso alle tue linee
- 04. Ruota e capovolgi la tela
- 05. Controlla la grafica in via di sviluppo
- Applica la teoria dei colori alle tue figure
- 06. Pensa ai colori che usi
- 07. Concetto e usabilità
- 08. Costruisci una tavolozza
- 09. Psicologia del colore e simbolismo
- 10. Cambia i tuoi colori
- Sviluppa una storia per il tuo personaggio
- 11. Crea un focus
- 12. Caratteri del codice colore
- 13. Crea una silhouette distinta
- 14. Racconta una storia attraverso immagini
- 15. Inizia con una fine in mente
Per l'aspirante artista che desidera creare il proprio design del personaggio, può essere allettante seguire semplicemente il modello di manga all'ingrosso. È importante notare che l'arte di base e i fondamenti della narrazione sono ancora necessari nella creazione di una buona arte manga.
Qui, tre artisti di Collateral Damage Studios - Loe ZI Rong, Tan Hui Tan e Ho Wei Rong condividono la loro competenza ed esperienza quando si tratta di creare e perfezionare l'arte dei personaggi manga. Da come ripulire gli schizzi dei personaggi, lavorare con la teoria dei colori e creare una storia per le tue creazioni, c'è molto da incorporare nel tuo flusso di lavoro manga.
Per ulteriori suggerimenti, consulta il nostro post su come disegnare personaggi manga.
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Ripulisci i tuoi schizzi
01. Rafforza i tuoi ruvidi
Di solito inizio con uno schizzo approssimativo, elaborando la posa e il flusso degli altri oggetti come il costume e i capelli. Quindi farò un secondo passaggio veloce per perfezionare parti dell'immagine e aggiungere ulteriori dettagli che possono aiutare nel mio processo di lavoro in linea più tardi. Se stai lavorando su un singolo livello, può essere facile cancellare accidentalmente parti dello schizzo originale quando si ingrandisce e si concentra sull'aggiunta di dettagli, con conseguente alterazione della composizione complessiva. Consiglio di utilizzare un nuovo livello per rimpolpare i dettagli, mantenendo la composizione originale su un altro livello per un facile riferimento.
02. Differenzia gli strati con il colore
Trovo utile cambiare il colore della mia matita prima di pulire il tuo schizzo. Anche se si riduce l'opacità del livello di schizzo durante la fase di pulizia, le linee indesiderate che vengono trascurate potrebbero essere scambiate per linee dello schizzo originale. Cambiare il colore dello schizzo in un altro colore può rendere più evidente la distinzione tra il livello dello schizzo e il livello di pulizia e ridurre le linee vaganti durante la pulizia. L'uso dei colori per evidenziare aree diverse che potresti voler separare in strati serve anche come promemoria visivo quando le allineate.
03. Aggiungi peso alle tue linee
Oltre a determinati stili artistici o requisiti di produzione, dare alle tue linee spessori diversi aiuta ad aggiungere profondità al tuo disegno. In generale, disegnare linee più sottili di elementi più vicini alla fonte di luce e linee più spesse per quelli più lontani può far risaltare la tua arte. Un esempio in cui non è necessario aggiungere peso alle linee è per la produzione di animazione, quando il tempo di produzione è limitato e la coerenza delle linee tra i fotogrammi è più importante.
04. Ruota e capovolgi la tela
Per ottenere linee pulite e fluide, di solito è meglio ripulire le curve correttamente con un solo tratto. La maggior parte dei software di pittura ti consente di ruotare e capovolgere liberamente la tela per regolare l'angolo con cui affronti quelle curve. Capovolgere la tela mentre disegni è anche un buon modo per controllare l'equilibrio dell'immagine se stai fissando la tua opera d'arte per troppo tempo.
05. Controlla la grafica in via di sviluppo
Come accennato in precedenza, durante la pulizia tendiamo a ingrandire e concentrarci sui dettagli più fini dell'opera d'arte. Finiamo per prendere decisioni localizzate su come pulire certi tratti senza tenere conto del contesto dell'intera immagine. Ciò potrebbe risultare, ad esempio, in una mano ben disegnata che è chiaramente sproporzionata rispetto al resto del corpo. Pertanto, è importante ridurre lo zoom di tanto in tanto per verificare che tutto sia ancora in linea mentre ripulisci il tuo schizzo.
Applica la teoria dei colori alle tue figure
06. Pensa ai colori che usi
I colori trasmettono umore e significato e puoi usarli per dirigere o indirizzare male il pubblico. Nella sua forma più efficace, solo la tavolozza dei colori può riportare alla mente l'oggetto. Serve anche come legame quando oggetti diversi condividono la stessa tavolozza, come il significato storico delle strisce rosse, blu e bianche nelle bandiere pan-slave.
Oltre alla teoria del colore di base, la scienza dei colori e il suo utilizzo quotidiano possono essere informazioni utili. Ad esempio, sapere che nella cultura europea la regalità è rappresentata dal viola, mentre in India il rosso intenso e l'ocra simboleggiano grandezza e ricchezza, può essere utile per creare caratteri culturalmente specifici.
07. Concetto e usabilità
Quando creo un character design, la forma segue la funzione. Una gerarchia di informazioni si applica anche al design del colore. Le aree ad alto contrasto attireranno più attenzione e i colori vivaci possono indicare un significato narrativo. Cerco di passare da una panoramica macro prima di affrontare i dettagli.
Qui, i personaggi sono gemelli che lavorano come guardie del corpo. Condividono una tavolozza di nero, verde e bianco, ma hanno anche macchie di rosa o ciano per differenziarli. Cerco anche di assicurarmi che nessun altro personaggio nell'universo abbia una tavolozza simile. Il tema narrativo è scuro e quindi la tavolozza dei colori generale lo riflette ed è attenuato.
08. Costruisci una tavolozza
Uso strumenti come Adobe Kuler e ColourLovers per l'ispirazione: puoi usare Kuler per creare una tavolozza da un'immagine esistente. Prima di decidere su una tavolozza, esplora le opzioni con un foglio di colore del personaggio (di solito con colori piatti). Inoltre, tieni presente l'uso e il contesto dell'immagine. Se, ad esempio, è inteso come una risorsa finale in un ambiente, assicurati che contrasti con i principali colori ambientali. Tendo a usare una luce bianca neutra per l'ombreggiatura, in modo che sia facile regolare successivamente l'arte del personaggio in diverse condizioni di illuminazione.
09. Psicologia del colore e simbolismo
Le persone percepiscono i colori in modo diverso (pensa agli spettatori che potrebbero soffrire di cromofobia o soffrire di daltonismo). Ma ci sono significati generali ed effetti fisiologici associati ai colori. Ad esempio, tendo ad evitare colori completamente saturi come il magenta CMYK, perché mi fa venire il mal di testa! Ci sono alcune eccezioni quando si può preferire un'estetica "pop".
Nel mio esempio, il personaggio è un'ereditiera che si è rivelata essere il cattivo principale del gioco verso la fine. La sua bassa statura e il suo corpo debole la rendono una cattiva inaspettata, ma l'impressione di vulnerabilità è ulteriormente rafforzata da una tavolozza prevalentemente rosa e bianca, che significa innocenza. L'impressione di oscurità interiore è invece supportata dalla presenza di una tavolozza più scura.
10. Cambia i tuoi colori
Se vuoi cambiare il colore su un elemento che è già stato renderizzato, per prima cosa separa gli elementi. Assicurati che tutte le diverse parti del personaggio siano su singoli livelli per facilitare la modifica. Se voglio cambiare i capelli di un personaggio dal nero al rosa, ad esempio, userò lo strumento Curva di Photoshop per schiarirlo prima.
Per fare un colore sfumato sui suoi capelli, ctrl-seleziona lo strato di capelli, quindi posiziona un gradiente solido su un nuovo livello. Duplica il livello sfumatura più volte e gioca con i metodi di fusione Colore, Sovrapposizione e Schermo.
Per apportare altre regolazioni, utilizzo Bilanciamento colore, oltre a un set di livelli separato in modalità Schermo, per finalizzare il cambio di colore. A volte, quando non ci sono abbastanza informazioni tonali per il cambio di colore, le dipingo secondo necessità.
Sviluppa una storia per il tuo personaggio
11. Crea un focus
La chiave per creare una buona storia del personaggio è avere un forte centro su cui costruire la tua storia, il punto di forza che i tuoi lettori possono riconoscere immediatamente. Dovrebbe essere facilmente descritto in una riga succinta. Uso questa battuta per fornire la direzione dalla quale sviluppo il resto della storia del mio personaggio. Qualcosa di semplice come "una ragazza con un amore per la cancelleria e l'umanità spinta in circostanze al di là di se stessa" può essere sufficiente per formare la base della storia del tuo personaggio.
12. Caratteri del codice colore
Quando si differenziano i personaggi, il modo più rapido e visibile per farlo è l'uso dei colori. I colori possono raccontare una storia da soli, sia attraverso il significato delle singole tonalità, sia attraverso la relazione tra determinati colori.
Uso il viola per un personaggio con portamento e arguzia regale, e rosso per un tipo intraprendente con una cadenza infantile. E il contrasto tra il rosso e il blu mi permette di creare una storia di opinioni e valori contrastanti.
13. Crea una silhouette distinta
I corpi sono disponibili in tutte le forme e dimensioni nei fumetti occidentali. Tuttavia, per i manga, la maggior parte dei tipi di corpo e delle taglie rientrano nelle stesse categorie generali, differenziate solo per sesso. Nel tentativo di creare una silhouette distinta all'interno delle regole più rigide dei manga, spesso ricado su due aree specifiche: acconciatura ed elementi di design unici. Uso acconciature contrastanti per i miei diversi personaggi, il che consente la variazione della silhouette richiesta per la distinzione. Dove disponibile, aggiungo anche forme e oggetti unici al design dei miei vestiti per distinguere ulteriormente le silhouette.
14. Racconta una storia attraverso immagini
Quando si introduce un personaggio, è importante che sia la sua personalità che le abilità siano visualizzate nei primi fotogrammi. A tal fine, nei fumetti di battaglia mi assicuro che le loro presentazioni consentano loro di combattere un nemico.
Uso questo approccio per stabilire i tic verbali del personaggio e la scelta delle azioni, nonché i poteri e le capacità che sono in grado di mostrare. Per un fumetto ambientato nella vita di tutti i giorni, utilizzo un banale compito quotidiano o una scena per la stessa funzione, mostrando come il personaggio affronta un problema che sarebbe immediatamente familiare ai lettori.
15. Inizia con una fine in mente
È relativamente facile creare la personalità e i tratti di un personaggio. Ciò che non è facile è creare un ruolo per il personaggio. Inizio questo compito decidendo quale scopo avrà questo personaggio nella mia trama generale. Uso qualcosa di vago, ma direzionale, come "personaggio di sfondo nel secondo arco" o "boss del cattivo a metà fase per la prima battaglia dell'eroe". Questo influenza la mia scelta di colori, elementi e stravaganza del design. Dopotutto, un personaggio usa e getta che appare sullo sfondo di due capitoli avrà un design molto più sommesso di uno che ha un ruolo importante nello sviluppo dell'eroe.
Questo articolo è originariamente apparso in ImagineFX, la rivista più venduta al mondo per artisti digitali. Iscriviti qui.
